Hernani

Rarement une œuvre dramatique aura été aussi occultée par la réaction que suscita sa première représentation. Aujourd’hui encore, l’intrigue d’Hernani est largement méconnue : rares sont ceux chez qui ce titre rappelle la légende des deux amants qui meurent volontairement par le poison la nuit de leurs noces, ou la fable d’un bandit qui retrouve son rang à la cour d’Espagne. Dans la plupart des esprits, Hernani évoque une formidable bataille littéraire, une date décisive dans la lutte mythique qui opposa les classiques aux romantiques.
Entre février et novembre 1830, les partisans des classiques et les adeptes des romantiques se sont retrouvés chaque soir au Théâtre-Français, les uns pour huer la pièce, les autres pour tenter de la soutenir. Mais au-delà du mythe, qui se rappelle les personnages, qui se souvient vraiment du détail de l’intrigue ?
D’une manière générale, Hernani semble aujourd’hui encore, payer le tribut de son formidable succès de 1830 : comme tous les mythes, connu de tous mais fondamentalement ignoré…
La représentation théâtrale permet d’entrevoir le chef d’œuvre derrière le mythe. L’ambivalence de la pièce, sa polyphonie et la richesse d’interprétation qu’elle autorise, prennent alors toute leur dimension. Un monarque libertin se cache dans une armoire comme un vulgaire amant de vaudeville, avant de devenir un empereur juste et clément. Un vieillard ridicule se fait cocufier comme le premier Arnolphe venu et se transforme, à la fin du drame, en spectre shakespearien. Ici pas vraiment de masques, mais des visages différents : comme dans la vie, les personnages ne se divisent pas en grotesques et sublimes mais chacun d’eux est à la fois l’un et l’autre, au gré des péripéties de l’action.
Certes Hernani est un mythe. C’est aussi une prophétie politique.
« La voix haute et puissante du peuple, qui ressemble à celle de Dieu, veut désormais que la poésie ait la même devise que la politique : TOLERANCE ET LIBERTE ».(Victor Hugo, préface d’Hernani)
 

Premières réflexions

Comment ne pas être fasciné par la puissance poétique d’une telle œuvre ?
Et pourquoi s’interdire d’y plonger, de tenter le grand voyage dans cette cathédrale ?
La pièce est d’une force de composition exceptionnelle. Elle utilise tous les ressorts du théâtre romantique et dans sa diversité baroque, elle se permet tout : les coups de théâtre se succèdent, les personnages se métamorphosent, les images poétiques créent un univers d’une rare puissance.
A chaque nouvelle lecture, l’émotion me submerge. Bien sûr, ces deux jeunes amants qui meurent le jour de leurs noces, c’est pathétique, grandiose, mais ce n’est pas tout.
La fable politique, par exemple, est remarquable : Hernani, représentant ce « peuple-océan » qui entraîne tout sur son passage et bouleverse définitivement le vieil ordre, est mis en action sous nos yeux, comme le moteur des générations à venir contre qui personne ne pourra rien.
Les métamorphoses des personnages sont d’une théâtralité exceptionnelle et révèlent, dans le tissu même de la fable, que, qui qu’on soit, l’histoire et ses soubresauts nous font vaciller, nous ouvrent des horizons que nous devons voir. Don Carlos, le roi libertin, devient un monarque magnanime et tolérant ; Ruy Gomes, lui, ne devient pas meilleur, au contraire, il est la part sombre de nous-mêmes, celle irréductible du ressentiment et de la vengeance qui ne nous laisse que l’amertume de notre condition…Je crois qu’il faut toucher la dimension poétique, obscure de cette œuvre. Elle réside à beaucoup d’endroits et en particulier dans les portraits des personnages.
L’un des axes majeurs est dans la force, la lourdeur même, écrasante, des figures paternelles : le passé ne lâche pas sa proie…La scénographie sera donc un jeu de portraits géants faisant écrin d’abord à la fameuse scène des portraits où Ruy Gomes cache Hernani à Don Carlos dans sa galerie de tableaux de famille. Mais au-delà de cette seule scène, la dimension mythique de la parole donnée au père et par là, serment intouchable, embrase toute l’œuvre. Chaque personnage est hanté par un père absent et chaque personnage aussi, se convertit, se transforme en un autre, donnant ainsi à voir une infinité de caractères, de personnes qui se construisent devant nous.Il y a dans Hernani une thématique très forte de l’ombre et de la lumière, ô combien théâtrale. Beaucoup de scènes sont nocturnes (le début de 4 actes sur 5), et symboliquement, toute la pièce est une lutte entre l’obscurité (l’obscurantisme) et le jour, l’avenir…Il n’est pas certain d’ailleurs que la lumière l’emporte. Mais l’élément feu sera très présent sur scène.
Je pense qu’il n’est pas nécessaire de transposer l’époque ; elle est marquée clairement (Espagne 1519) mais n’empêche en rien l’envolée de la fable jusqu’à nous par le truchement d’une symbolique particulièrement riche. Nous travaillerons donc dans une esthétique inspirée du seizième siècle espagnol ; pas dans la reconstitution historique mais dans un rappel des formes et des matières.
Encore un paradoxe : Hernani est aussi, par certains aspects, une comédie. Il ne faut pas occulter cette dimension baroque qui se permet, du grotesque au sublime, de nous embarquer avec une duègne cupide dans une armoire de barbon cocufié…
Tout est possible dans ce théâtre, tout est jeu, et ce monstre de Victor Hugo mène une sarabande qui nous éblouit, depuis son dix-neuvième siècle, jusque dans nos tripes.

Christine Berg, juin 2010